Amador Ricardo Yrarrázaval Larraín, pintor. Nació en Santiago de Chile el 21 de noviembre de 1931.En 1952, a los veinte años viajó a Europa donde realizó cursos en la Escuela de Bellas Artes de Roma, Italia y en la Academia Julien de París, Francia. Sucesivos viajes le permitieron conocer y aprender sobre los movimientos plásticos contemporáneos.A su talento artístico unió su interés por manejar distintos medios de expresión. Aprendió técnicas cerámicas con el escultor Raúl Valdivieso en Vallauris, Francia. ESTRATEGIA VISUALPor años se dedicó principalmente a la creación de objetos cerámicos esmaltados. La pintura, el dibujo y el pastel surgieron en forma más definitiva luego de un viaje por países sudamericanos. La vastedad del desierto boliviano despertó su interés por reflejar sensaciones y presencia humana en el amplio espacio de la tela.En sus inicios optó por la pintura abstracta y destacó por su manejo del color y la composición. Más tarde la figura humana se transformó en una constante en su obra adelantándose tempranamente, a fines de la década de 1960, al planteamiento de un fenómeno social que caracterizaría a las décadas posteriores, el hombre urbano, dueño del poder pero que vive incomunicado porque por su egoísmo e individualismo no le permiten relacionarse con sus semejantes. Yrarrázaval entregó esa clara visión del hombre masa y su soledad, a través de sus obras en las que aparecen figuras de burócratas personajes de traje gris, corbata y camisa blanca, de caras borrosas o deformadas, llenas de misterio y patetismo. Mujeres de brazos delgados pero con piernas agrandadas en forma grotesca, son parte de su repertorio de imágenes oníricas donde los escenarios vacíos y nubosos acrecientan el misterio y dramatismo de la tela. Aunque por su técnica y destreza se lo ha calificado hiperrealista o neofigurativo, el autor se considera realista.Por mas de tres años se dedicó exclusivamente a la técnica del pastel. Finalmente decidió continuar con la pintura al óleo por su mayor riqueza expresiva, haciendo gala de su facilidad para utilizar la técnica de la espátula.En 1985 se interesó por el lenguaje de la gráfica y tomó clases de grabado litográfico en el Taller 99. En la década de 1990 Yrarrázaval abandonó el color y los pinceles para dedicarse a la litografía. En años posteriores su carrera artística se vio afectada por la imposición médica de no pintar por problemas alérgicos que lo aquejaron, pero el artista supo sobreponerse y demostró su versátil talento con la ayuda de las nuevas posibilidades plásticas que ofrecen los avances tecnológicos modernos. En 1999 expuso al público su primera serie de obras logradas por medio de técnicas digitales de Photoshop, exhibición en la que mantiene la figuración y un trabajo de alta calidad.Su interés por retratar la condición humana ha sido una constante en su obra a lo largo de su carrera. Para el artista la soledad es intrínseca al ser humano, por ello ha sido el centro de su obra.
OBRAS EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES
El Pragmático Visitante, 1974, óleo sobre tela, 61 x 46 cm.Costo-Beneficio, 1986, óleo sobre tela, 81 x 100 cm.
lunes, 21 de enero de 2008
Julia Toro
Julia de las Mercedes Toro Donoso, fotógrafa. Nació el 18 de Octubre de 1933 en Talca, Chile.
Aprendió dibujo y pintura con el artista Adolfo Couve. Se dedicó a la fotografía de manera autodidacta.
En 1979 fue Miembro Fundador de la Sala Arturo Edwards, del Instituto Chileno Británico de Cultura en Santiago.
Interesada por el rescate de imágenes ligadas al transcurso del tiempo, a la memoria y al afecto, para sus trabajos de ampliaciones digitales en distintos formatos, en tonos sepia, nítidas y resquebrajadas, ha recolectado fotografías familiares que muestran parte de la evolución de la sociedad chilena desde 1870 hasta 1950.
Entre otros temas muestra imágenes espontáneas de la vida cotidiana en las que da importancia a los ambientes, atmósferas, a la figura humana; son imágenes que registran el crecimiento de su hijo y los cambios que fue experimentando durante su vida. Destaca también una serie de retratos de una pareja, en las que denota lo sensual de cada uno, en poses de los cuerpos jóvenes semidesnudos en sugerentes actitudes eróticas.
En su trabajo en torno a la vida del fallecido poeta chileno Jorge Teillier, muestra escenas de la vida cotidiana del escritor, las personas con las que compartía y conversaba en torno a una mesa, fumando un cigarrillo entre la penumbra, captando lo desprevenido, lo incauto, todo lo que hablara sobre su rutina diaria en la que solía vestir con su traje señorial desarreglado junto a un vaso de vino.
Trabajando formatos en gigantografías impresas, muestra imágenes que se desvanecen y los rasgos se diluyen jugando simbólicamente con la idea del transcurso del tiempo. A modo de instalación coloca varias fotografías junto a manuscritos aplicando variaciones cromáticas computacionales y serigrafías repetidas en distintos tonos.
1979 Referencia, Sala Arturo Edwards, Santiago, Chile.
1989 Foto, en Nueva York, Sala Arturo Edwards, Santiago, Chile.
1991/92 Historia de un Niño Chileno, Instituto Cultural de Las Condes, Itinerante en Talca y Puerto Montt, Chile.
1994 Que Ves cuando me Ves, Galería Gabriela Mistral, Ministerio de Educación, Santiago, Chile. 1996 Historia Personal, Instituto Chileno Británico de Cultura, Santiago, Chile.
1997 Imágenes, Julia Toro, Galería Gabriela Mistral, Santiago, Chile.
2002 Los recuerdos... se han fatigado de seguirme, Casa de la Cultura, Santiago, Chile.
2003 Memorabilia 1973 - 2003, Chile.
Aprendió dibujo y pintura con el artista Adolfo Couve. Se dedicó a la fotografía de manera autodidacta.
En 1979 fue Miembro Fundador de la Sala Arturo Edwards, del Instituto Chileno Británico de Cultura en Santiago.
Interesada por el rescate de imágenes ligadas al transcurso del tiempo, a la memoria y al afecto, para sus trabajos de ampliaciones digitales en distintos formatos, en tonos sepia, nítidas y resquebrajadas, ha recolectado fotografías familiares que muestran parte de la evolución de la sociedad chilena desde 1870 hasta 1950.
Entre otros temas muestra imágenes espontáneas de la vida cotidiana en las que da importancia a los ambientes, atmósferas, a la figura humana; son imágenes que registran el crecimiento de su hijo y los cambios que fue experimentando durante su vida. Destaca también una serie de retratos de una pareja, en las que denota lo sensual de cada uno, en poses de los cuerpos jóvenes semidesnudos en sugerentes actitudes eróticas.
En su trabajo en torno a la vida del fallecido poeta chileno Jorge Teillier, muestra escenas de la vida cotidiana del escritor, las personas con las que compartía y conversaba en torno a una mesa, fumando un cigarrillo entre la penumbra, captando lo desprevenido, lo incauto, todo lo que hablara sobre su rutina diaria en la que solía vestir con su traje señorial desarreglado junto a un vaso de vino.
Trabajando formatos en gigantografías impresas, muestra imágenes que se desvanecen y los rasgos se diluyen jugando simbólicamente con la idea del transcurso del tiempo. A modo de instalación coloca varias fotografías junto a manuscritos aplicando variaciones cromáticas computacionales y serigrafías repetidas en distintos tonos.
1979 Referencia, Sala Arturo Edwards, Santiago, Chile.
1989 Foto, en Nueva York, Sala Arturo Edwards, Santiago, Chile.
1991/92 Historia de un Niño Chileno, Instituto Cultural de Las Condes, Itinerante en Talca y Puerto Montt, Chile.
1994 Que Ves cuando me Ves, Galería Gabriela Mistral, Ministerio de Educación, Santiago, Chile. 1996 Historia Personal, Instituto Chileno Británico de Cultura, Santiago, Chile.
1997 Imágenes, Julia Toro, Galería Gabriela Mistral, Santiago, Chile.
2002 Los recuerdos... se han fatigado de seguirme, Casa de la Cultura, Santiago, Chile.
2003 Memorabilia 1973 - 2003, Chile.
Lotty Rosenfeld
Carlota (Lotty) Rosenfeld, artista visual, instaladora y videísta chilena, nació en Santiago en 1943.
Formó parte de la Generación del ´70, y se ligó a la Escena de Avanzada. En 1979 realizó sus primeras acciones junto al grupo C.A.D.A.
El trabajo de Lotty Rosenfeld, ligado en sus inicios al grabado, tomó luego, bajo el peso de la dictadura de Pinochet, el rumbo del registro en video de sus producciones , consistentes principalmente en intervenciones del espacio público, por medio de elementos que cuestionan simbólicamente el estatuto político y la rigidez institucional.
Rosenfeld ha recibido múltiples premios y adeMás ha sido acreedora de becas como la que otorga la Fundación Andes.
El trabajo de Lotty Rosenfeld, ligado en sus inicios al grabado, tomó luego, bajo el peso de la dictadura de Pinochet, el rumbo del registro en video de sus producciones , consistentes principalmente en intervenciones del espacio público, por medio de elementos que cuestionan simbólicamente el estatuto político y la rígidez institucional.
Su obra más característica es "Una milla de cruces sobre el pavimento", acción de arte que realizó a partir de 1979 en diversas ciudades, como Santiago, Washington o New York, y que consistió en cruzar una cinta blanca a las líneas discontinuas del pavimento, formando de este modo, temporales cruces blancas.
Con esta acción, que llega hasta nosotros gracias a su registro en video, Rosenfeld quiso copar distintos paisajes públicos, repitiendo su acción varias veces, como un llamado de atención sobre estas señales, hasta hacer de este nuevo signo, un elemento reconocible en el trayecto por la calle: la imagen de la cruz queda en nuestra mente, y aunque luego ya no la veamos, la recordamos; la cruz tiene una connotación aún más especial si tomamos en cuenta que esta acción se llevó a cabo durante el régimen militar en Chile.
Lotty Rosenfeld recibió en 1981 dos becas: una de la Interamerican Foundation y otra de la Fundación Ford.
En 1985 recibió el Primer Premio en la Bienal de Internacional de Video, Tokio, Japón. En 1993 obtuvo una Beca de la Fundación Andes. En 1996 fue distinguida con el Premio Anual del Círculo de Críticos de Arte de Chile, Mención Gráfica.
Ha formado parte de una gran cantidad de exposiciones colectivas, en países tales como Brasil, España, Cuba, Australia, Canadá, etc. Entre sus videos destacan: "Una herida americana " (1982), "Proposición para (entre) cruzar espacios inútiles" (1983), "Paz para Sebastián Acevedo" (1985) y "Nicanor Parra" (1992), realizada junto a Camiruaga.
Formó parte de la Generación del ´70, y se ligó a la Escena de Avanzada. En 1979 realizó sus primeras acciones junto al grupo C.A.D.A.
El trabajo de Lotty Rosenfeld, ligado en sus inicios al grabado, tomó luego, bajo el peso de la dictadura de Pinochet, el rumbo del registro en video de sus producciones , consistentes principalmente en intervenciones del espacio público, por medio de elementos que cuestionan simbólicamente el estatuto político y la rigidez institucional.
Rosenfeld ha recibido múltiples premios y adeMás ha sido acreedora de becas como la que otorga la Fundación Andes.
El trabajo de Lotty Rosenfeld, ligado en sus inicios al grabado, tomó luego, bajo el peso de la dictadura de Pinochet, el rumbo del registro en video de sus producciones , consistentes principalmente en intervenciones del espacio público, por medio de elementos que cuestionan simbólicamente el estatuto político y la rígidez institucional.
Su obra más característica es "Una milla de cruces sobre el pavimento", acción de arte que realizó a partir de 1979 en diversas ciudades, como Santiago, Washington o New York, y que consistió en cruzar una cinta blanca a las líneas discontinuas del pavimento, formando de este modo, temporales cruces blancas.
Con esta acción, que llega hasta nosotros gracias a su registro en video, Rosenfeld quiso copar distintos paisajes públicos, repitiendo su acción varias veces, como un llamado de atención sobre estas señales, hasta hacer de este nuevo signo, un elemento reconocible en el trayecto por la calle: la imagen de la cruz queda en nuestra mente, y aunque luego ya no la veamos, la recordamos; la cruz tiene una connotación aún más especial si tomamos en cuenta que esta acción se llevó a cabo durante el régimen militar en Chile.
Lotty Rosenfeld recibió en 1981 dos becas: una de la Interamerican Foundation y otra de la Fundación Ford.
En 1985 recibió el Primer Premio en la Bienal de Internacional de Video, Tokio, Japón. En 1993 obtuvo una Beca de la Fundación Andes. En 1996 fue distinguida con el Premio Anual del Círculo de Críticos de Arte de Chile, Mención Gráfica.
Ha formado parte de una gran cantidad de exposiciones colectivas, en países tales como Brasil, España, Cuba, Australia, Canadá, etc. Entre sus videos destacan: "Una herida americana " (1982), "Proposición para (entre) cruzar espacios inútiles" (1983), "Paz para Sebastián Acevedo" (1985) y "Nicanor Parra" (1992), realizada junto a Camiruaga.
Matilde Pérez
Entre los años 1939 y 1944 estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde es alumna de Pedro Rezska, Pablo Burchard y Laureano Guevara.
En 1960 fue becada por el gobierno francés para estudiar en París. Entre los años 1970 y 1972 fue comisionada por la U. de Chile para continuar sus estudios sobre arte cinético en París, donde toma contacto con el artista de esa corriente Víctor Vasarelly, quien le facilita información para realizar sus investigaciones visuales.
En 1969 fundó el Grupo Cinético de Chile, y en 1975 en la U. de Chile organizó el Centro de Investigaciones Visuales Cinéticas en el Departamento de Diseño de la Sede Oriente de esta misma universidad.
Matilde Pérez ha sido profesora en la U. de Chile y en diversos colegios.
La obra de esta artista se basa en la investigación de los efectos visuales de las formas abstractas y de la utilización del color. Su pintura combina el estudio del espacio, la línea, el color y los materiales, lo que revela un rigor en la composición, un control racional del color y un respeto al soporte.
El resultado de esto es un efecto visual de movimiento en los cuadros cuando el espectador se desplaza frente a ellos.
En 1960 fue becada por el gobierno francés para estudiar en París. Entre los años 1970 y 1972 fue comisionada por la U. de Chile para continuar sus estudios sobre arte cinético en París, donde toma contacto con el artista de esa corriente Víctor Vasarelly, quien le facilita información para realizar sus investigaciones visuales.
En 1969 fundó el Grupo Cinético de Chile, y en 1975 en la U. de Chile organizó el Centro de Investigaciones Visuales Cinéticas en el Departamento de Diseño de la Sede Oriente de esta misma universidad.
Matilde Pérez ha sido profesora en la U. de Chile y en diversos colegios.
La obra de esta artista se basa en la investigación de los efectos visuales de las formas abstractas y de la utilización del color. Su pintura combina el estudio del espacio, la línea, el color y los materiales, lo que revela un rigor en la composición, un control racional del color y un respeto al soporte.
El resultado de esto es un efecto visual de movimiento en los cuadros cuando el espectador se desplaza frente a ellos.
Hernán Miranda
Hernán Miranda Casanova nació en Quillota, Región de Valparaíso, en 1941. Estudió Castellano y Periodismo en la Universidad de Chile, y obtuvo el grado de Magíster en Filosofía Política en la Universidad de Santiago. Es poeta, periodista, y docente en la Escuela de Periodismo de la Universidad de Santiago y otros centros de estudios superiores.
Ha publicado nueve libros de poesía: Arte de vaticinar (1970), La Moneda y otros poemas (1976), Versos para quien conmigo va (1986), Trabajos en la vía (1987), De este anodino tiempo diurno (1990), Décimas de nuestra tierra (1992), Sonetos (1993), Anna Pink y otros poemas (2000), y Bar abierto (antología de su obra, 2005). Figura en una veintena de antologías publicadas en Chile, Argentina, Perú, México, España, Italia y Rusia.
Entre otras distinciones, ha recibido: Primer Premio en el Concurso de la FECH, y Mención Honrosa en los Juegos Literarios “Gabriela Mistral” de la Municipalidad de Santiago (1969); el Premio Casa de las Américas (La Habana, 1976); Segundo Premio en el Concurso de Poesía de “El Mercurio” (1988), y el Premio Municipal de Literatura de Santiago (1991).
Fue integrante becado del Taller de Escritores de la Universidad Católica (1972), y ha obtenido en dos oportunidades la Beca de Creación para Escritores Profesionales del Consejo Nacional del Libro y la Lectura (1998 y 2003).
Como periodista, en el período 1970-73 se desempeñó en La Moneda en la Oficina de Informaciones y Radiodifusión de la Presidencia de la República. Entre 1974 y 1980 fue periodista en Buenos Aires; entre 1981 y 1991, redactor de Suplementos del diario “La Tercera” de Santiago, y periodista de la Fundación de Comunicaciones del Agro, FUCOA, entre 1992 y 1998. Ha sido comentarista de libros en los diarios “La Opinión” de Buenos Aires y “La Época” de Santiago, colaborador de distintos medios de comunicación y periodista-libretista del programa de TV “Tierra Adentro”.
Desde el año 2002 es director del Círculo de Periodistas de Santiago, y, a partir de 2006, de la Sociedad de Escritores de Chile.
Ha publicado nueve libros de poesía: Arte de vaticinar (1970), La Moneda y otros poemas (1976), Versos para quien conmigo va (1986), Trabajos en la vía (1987), De este anodino tiempo diurno (1990), Décimas de nuestra tierra (1992), Sonetos (1993), Anna Pink y otros poemas (2000), y Bar abierto (antología de su obra, 2005). Figura en una veintena de antologías publicadas en Chile, Argentina, Perú, México, España, Italia y Rusia.
Entre otras distinciones, ha recibido: Primer Premio en el Concurso de la FECH, y Mención Honrosa en los Juegos Literarios “Gabriela Mistral” de la Municipalidad de Santiago (1969); el Premio Casa de las Américas (La Habana, 1976); Segundo Premio en el Concurso de Poesía de “El Mercurio” (1988), y el Premio Municipal de Literatura de Santiago (1991).
Fue integrante becado del Taller de Escritores de la Universidad Católica (1972), y ha obtenido en dos oportunidades la Beca de Creación para Escritores Profesionales del Consejo Nacional del Libro y la Lectura (1998 y 2003).
Como periodista, en el período 1970-73 se desempeñó en La Moneda en la Oficina de Informaciones y Radiodifusión de la Presidencia de la República. Entre 1974 y 1980 fue periodista en Buenos Aires; entre 1981 y 1991, redactor de Suplementos del diario “La Tercera” de Santiago, y periodista de la Fundación de Comunicaciones del Agro, FUCOA, entre 1992 y 1998. Ha sido comentarista de libros en los diarios “La Opinión” de Buenos Aires y “La Época” de Santiago, colaborador de distintos medios de comunicación y periodista-libretista del programa de TV “Tierra Adentro”.
Desde el año 2002 es director del Círculo de Periodistas de Santiago, y, a partir de 2006, de la Sociedad de Escritores de Chile.
Gonzalo Mezza
Gonzalo Mezza trabaja con técnicas provenientes del videoarte, la fotografía, la cámara Polaroid, la gráfica, además de utilizar, de manera fundamental, todos los diversos medios digitales que le proporciona el uso de computadores.
Con éstas herramientas, y reuniendo las ideas propias de la video instalación y el arte conceptual, en una interesante propuesta estética, fue como Mezza logró ser considerado, a nivel mundial, pionero de la pintura digital.
Esta forma de arte consiste, básicamente, en digitalizar fotografías que luego interviene por medio de diversos softwares gráficos, ejerciendo una relectura del original; la composición final de su intervención es impresa en telas acrílicas o en papel reciclado de grandes formatos, homologando de esta manera, el acto de pintar: una pincelada manual se corresponde, idealmente, con los píxeles generados por computadora.
El artista propone, con sus producciones visuales y desde una posición latinoamericanista, el fin de las fronteras culturales, por medio de la transferencia de imágenes que mezclan emblemas propios de diversas culturas.
Así es como, también, cita en sus telas a obras claves de la historia del arte, reformulando su composición básica por medio de intervenciones digitales.
Además, vuelve a traspasar los límites del arte al incorporar a otros artistas y personas anónimas en su proceso creativo: por medio de la circulación de sus obras en Internet, permite el libre acceso a sus imágenes para que otras manos intervengan y enriquezcan éstas.
Gonzalo Mezza ha recibido, entre otros, los siguientes reconocimientos: Primer Premio mención Gráfica, VII Concurso de la Colocadora Nacional de Valores (1980), Primer Premio Fotografía Artística, I Salón Fotop (1985), Primer Premio Efecto Especial, IV Salón Fotop (1988), Gran Premio, III Bienal de Gráfica de Santiago (1988), Gran Premio, VI Salón Fotop (1990), Premio Camilo Mori, XXI Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (1994)
Con éstas herramientas, y reuniendo las ideas propias de la video instalación y el arte conceptual, en una interesante propuesta estética, fue como Mezza logró ser considerado, a nivel mundial, pionero de la pintura digital.
Esta forma de arte consiste, básicamente, en digitalizar fotografías que luego interviene por medio de diversos softwares gráficos, ejerciendo una relectura del original; la composición final de su intervención es impresa en telas acrílicas o en papel reciclado de grandes formatos, homologando de esta manera, el acto de pintar: una pincelada manual se corresponde, idealmente, con los píxeles generados por computadora.
El artista propone, con sus producciones visuales y desde una posición latinoamericanista, el fin de las fronteras culturales, por medio de la transferencia de imágenes que mezclan emblemas propios de diversas culturas.
Así es como, también, cita en sus telas a obras claves de la historia del arte, reformulando su composición básica por medio de intervenciones digitales.
Además, vuelve a traspasar los límites del arte al incorporar a otros artistas y personas anónimas en su proceso creativo: por medio de la circulación de sus obras en Internet, permite el libre acceso a sus imágenes para que otras manos intervengan y enriquezcan éstas.
Gonzalo Mezza ha recibido, entre otros, los siguientes reconocimientos: Primer Premio mención Gráfica, VII Concurso de la Colocadora Nacional de Valores (1980), Primer Premio Fotografía Artística, I Salón Fotop (1985), Primer Premio Efecto Especial, IV Salón Fotop (1988), Gran Premio, III Bienal de Gráfica de Santiago (1988), Gran Premio, VI Salón Fotop (1990), Premio Camilo Mori, XXI Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (1994)
Diego Maquieira
"Ese es mi espíritu: tomar distancia con todo lo que está cerca del poder. El poder es el enemigo número uno de la creación. Y los creadores deben estar lo más lejos posible de círculos oficiales. Mi camino no va por ahí. Yo no voy a mejorar ni a empeorar mis poemas ni mi situación económica a través de los círculos oficiales. No tengo intereses creados, tengo interés en crear...". Diego Maquieira nació en Santiago de Chile, en 1951. Hijo de padre diplomático y de una socialitè chilena. Vivió su infancia en Nueva York, inmerso en la cultura norteamericana y el aprendizaje del inglés. Por el trabajo de su padre, la vida de Diego Maquieira transcurrió moviéndose de un lugar a otro: La Paz, Lima, Ciudad de México, Quito, Santiago. El constante desplazamiento por culturas e idiomas distintos dio a su escritura nuevos puntos de vista y otras herramientas poéticas, además de sellar una personalidad intensa e impredecible.
Su primer libro, Upsilon, fue publicado en 1975. A este primer poemario le siguieron Bombardo (1977), La Tirana (1983), Los Sea Harrier en el firmamento de eclipses. Poemas de anticipo (1986), Los Sea Harrier (1993) -el primer poemario en formato de compac disc-, su antología de Vicente Huidobro titulada El oxígeno invisible (1991) y la última edición de La Tirana y Los Sea Harrier, publicada en noviembre de 2003.
A diferencia de la mayoría de los poetas de la década de 1980, Diego Maquieira desarrolló una revolución espiritual y poética, alejada de la contingencia política y social del período. Su poesía es reflejo de su desenfado y de un humor lúcido y sus temas fundamentales son la libertad, el amor, la tecnología, la adivinación y la creación en sí misma. Sus versos están llenos de referencias culturales diversas, así como de transcripciones fragmentarias de otros textos ya escritos: crónicas, entrevistas, parlamentos del cine, encabezados de enciclopedias, frases publicitarias, entre muchas otras. De este modo, Maquieira incorpora materiales disímiles a su escritura, dotándola de profundidades y resonancias insospechadas. Esta poesía reconoce filiaciones con la escritura de Ezra Pound, Ernesto Cardenal, Nicanor Parra, J. M. Rilke, Vicente Huidobro, Constantino Kavafy y Allen Ginsberg, por mencionar algunos. Asimismo, coexisten en la producción del autor tendencias literarias anteriores como el creacionismo la antipoesía, la poesía lárica y la escritura de Enrique Lihn.
La poesía de Diego Maquieira ha sido un valioso aporte al panorama literario nacional que mantiene su vigencia hasta nuestros días; así lo atestiguó la respuesta de la crítica especializada y los comentarios de escritores chilenos, entre los que destaca Enrique Lihn, Arturo Fontaine Talavera y Tomás Harris.
Su primer libro, Upsilon, fue publicado en 1975. A este primer poemario le siguieron Bombardo (1977), La Tirana (1983), Los Sea Harrier en el firmamento de eclipses. Poemas de anticipo (1986), Los Sea Harrier (1993) -el primer poemario en formato de compac disc-, su antología de Vicente Huidobro titulada El oxígeno invisible (1991) y la última edición de La Tirana y Los Sea Harrier, publicada en noviembre de 2003.
A diferencia de la mayoría de los poetas de la década de 1980, Diego Maquieira desarrolló una revolución espiritual y poética, alejada de la contingencia política y social del período. Su poesía es reflejo de su desenfado y de un humor lúcido y sus temas fundamentales son la libertad, el amor, la tecnología, la adivinación y la creación en sí misma. Sus versos están llenos de referencias culturales diversas, así como de transcripciones fragmentarias de otros textos ya escritos: crónicas, entrevistas, parlamentos del cine, encabezados de enciclopedias, frases publicitarias, entre muchas otras. De este modo, Maquieira incorpora materiales disímiles a su escritura, dotándola de profundidades y resonancias insospechadas. Esta poesía reconoce filiaciones con la escritura de Ezra Pound, Ernesto Cardenal, Nicanor Parra, J. M. Rilke, Vicente Huidobro, Constantino Kavafy y Allen Ginsberg, por mencionar algunos. Asimismo, coexisten en la producción del autor tendencias literarias anteriores como el creacionismo la antipoesía, la poesía lárica y la escritura de Enrique Lihn.
La poesía de Diego Maquieira ha sido un valioso aporte al panorama literario nacional que mantiene su vigencia hasta nuestros días; así lo atestiguó la respuesta de la crítica especializada y los comentarios de escritores chilenos, entre los que destaca Enrique Lihn, Arturo Fontaine Talavera y Tomás Harris.
José León
Pintor, creador audiovisual y escritor chileno. Nació en 1948. Pintor autodidacta, perteneció a la Generación del 70, enmarcada en la transvanguardia y el neofigurativismo, junto a Samy Benmayor, Bororo y Gonzalo Cienfuegos, entre otros.
José Ignacio trabaja en series, las que va completando a través del tiempo, son diferentes ideas o programas que se complementan entre sí.
Entre las distinciones que ha recibido se destaca la Beca Amigos del Arte en 1978 y 1979.
José Ignacio trabaja en series, las que va completando a través del tiempo, son diferentes ideas o programas que se complementan entre sí.
En sus primeras series su pintura era un trabajo medido y exacto, estilo Más bien geométrico y calculado (Retrato del tiempo) que Más tarde dio paso a la mancha libre y cargada de pigmento que marcó el quiebre de una época de soledad y silencio y dio paso a una etapa de acción y nuevas búsquedas, de un "fuerte trabajo con los otros".
En sus pinturas hay algo de sentimental, romántico y poético porque siempre rescata el lado optimista de lo que pinta, aunque también formula una crítica subyacente a lo cotidiano, al ambiente que le rodea, a los espacios y vidas exteriores, producto de una investigación de ribetes sociales que ha determinado el desarrollo de su pintura. En ellas se delatan algunas tristezas humanas y los deseos de León por entregar algunos mensajes.
En sus viajes por distintos lugares de Chile, en un intento por escapar de la saturación que le provoca la ciudad, ha podido reencontrarse con la naturaleza, con las personas y pintar lo humano, todo lo que percibe, dando origen a obras expresionistas, abstractas y de gran colorido.
Las pinturas del artista están pobladas de "seres imaginarios" que brotan de su mente, están cargadas de transparencias, son coloridas, alegres y llenas de vida, con imágenes caóticas, fragmentadas, hechas a partir de aguadas, texturas y chorreos, incluyendo técnicas de grabado, collages y textos.
El trabajo colectivo con otros artistas ha sido siempre importante para León, así lo ha demostrado "Nuestro Paisaje-Mi Paisaje, obra que ha sido el resultado de su encuentro con otros plásticos nacionales que han decidido participar en ella. Son una serie de telas, de colores blanco, azul y rojo, divididas en cuadrados donde importantes pintores han colaborado.
Sus creaciones se relacionan con la vida, con compartir la naturaleza, con la intimidad silenciosa de lo cotidiano, con las cosas sencillas y humildes, ejemplo de esto son los "Pancitos calientes", una serie de 30 cuadros de pequeño formato, pintados entre 1986 y 1987.
José Ignacio trabaja en series, las que va completando a través del tiempo, son diferentes ideas o programas que se complementan entre sí.
Entre las distinciones que ha recibido se destaca la Beca Amigos del Arte en 1978 y 1979.
José Ignacio trabaja en series, las que va completando a través del tiempo, son diferentes ideas o programas que se complementan entre sí.
En sus primeras series su pintura era un trabajo medido y exacto, estilo Más bien geométrico y calculado (Retrato del tiempo) que Más tarde dio paso a la mancha libre y cargada de pigmento que marcó el quiebre de una época de soledad y silencio y dio paso a una etapa de acción y nuevas búsquedas, de un "fuerte trabajo con los otros".
En sus pinturas hay algo de sentimental, romántico y poético porque siempre rescata el lado optimista de lo que pinta, aunque también formula una crítica subyacente a lo cotidiano, al ambiente que le rodea, a los espacios y vidas exteriores, producto de una investigación de ribetes sociales que ha determinado el desarrollo de su pintura. En ellas se delatan algunas tristezas humanas y los deseos de León por entregar algunos mensajes.
En sus viajes por distintos lugares de Chile, en un intento por escapar de la saturación que le provoca la ciudad, ha podido reencontrarse con la naturaleza, con las personas y pintar lo humano, todo lo que percibe, dando origen a obras expresionistas, abstractas y de gran colorido.
Las pinturas del artista están pobladas de "seres imaginarios" que brotan de su mente, están cargadas de transparencias, son coloridas, alegres y llenas de vida, con imágenes caóticas, fragmentadas, hechas a partir de aguadas, texturas y chorreos, incluyendo técnicas de grabado, collages y textos.
El trabajo colectivo con otros artistas ha sido siempre importante para León, así lo ha demostrado "Nuestro Paisaje-Mi Paisaje, obra que ha sido el resultado de su encuentro con otros plásticos nacionales que han decidido participar en ella. Son una serie de telas, de colores blanco, azul y rojo, divididas en cuadrados donde importantes pintores han colaborado.
Sus creaciones se relacionan con la vida, con compartir la naturaleza, con la intimidad silenciosa de lo cotidiano, con las cosas sencillas y humildes, ejemplo de esto son los "Pancitos calientes", una serie de 30 cuadros de pequeño formato, pintados entre 1986 y 1987.
Matilde Huidobro
María Pilar García Huidobro, de seudónimo Matilde Huidobro, pintora. Nació en Valdivia, Chile, el 25 de Diciembre de 1966.Artista autodidacta demostró un talento plástico desde la infancia. Realizó cursos de pintura en el Instituto de Arte Contemporáneo en Santiago. En 1988 empezó a pintar de manera profesional después de concluir estudios de fotografía y escultura en diversos centros. Reconoce la influencia de sus amigos pintores, Matías Pinto D’Aguiar y Pablo Domínguez.
En sus pintura al óleo, acuarela y técnicas mixtas, recurre a una figuración propia, con temas relacionados a situaciones inspiradas en el mundo femenino y sus emociones. El uso de colores brillantes y los rasgos ingenuos de sus dibujos la acercan a pintores expresionistas y reflejan su preocupación por llevar a la tela escenas rutinarias y rituales de mujeres durmiendo en camas suspendidas. En sus composiciones suele incluir sirenas, mesas, árboles y escenas infantiles cuyo dramatismo acentúa por el protagonismo que cobran sombras alargadas y oscuras. En ellas la artista busca representar su espanto por la destrucción del equilibrio del ecosistema y su intento por recuperar los sueños y fantasías de la humanidad a manera de fuerzas equivalentes a la racionalidad moderna.Conservando el mismo afán de protesta y salvación del mundo, Matilde Huidobro ha incursionado en obras en volumen en las que incluye imágenes fotográficas que permiten contrastar el realismo con los sentimientos abstractos, representados por medio de la pintura. Entre estas obras destaca su propuesta plástica del Sagrado Corazón en la que este símbolo, que aparece rodeado de espinas en pintura dorada, es enfrentado a la imagen fotográfica del corazón humano con espinas reales, conectando de esta forma la idea del sacrificio del amor con la fuerza de la parte iluminada u oscura de los sentimientos.
PREMIOS
1987 Premio del Círculo de Críticos de Arte a la Mejor Exposición Nacional de
1987. Santiago, Chile.
1995 Mención Honrosa, V Concurso Nacional de Pintura El Color del Sur, Puerto Varas, Chile.
1995 Seleccionada para representar a Chile en la Bienal de Artes Plásticas de Johannesburgo, Sudáfrica.
En sus pintura al óleo, acuarela y técnicas mixtas, recurre a una figuración propia, con temas relacionados a situaciones inspiradas en el mundo femenino y sus emociones. El uso de colores brillantes y los rasgos ingenuos de sus dibujos la acercan a pintores expresionistas y reflejan su preocupación por llevar a la tela escenas rutinarias y rituales de mujeres durmiendo en camas suspendidas. En sus composiciones suele incluir sirenas, mesas, árboles y escenas infantiles cuyo dramatismo acentúa por el protagonismo que cobran sombras alargadas y oscuras. En ellas la artista busca representar su espanto por la destrucción del equilibrio del ecosistema y su intento por recuperar los sueños y fantasías de la humanidad a manera de fuerzas equivalentes a la racionalidad moderna.Conservando el mismo afán de protesta y salvación del mundo, Matilde Huidobro ha incursionado en obras en volumen en las que incluye imágenes fotográficas que permiten contrastar el realismo con los sentimientos abstractos, representados por medio de la pintura. Entre estas obras destaca su propuesta plástica del Sagrado Corazón en la que este símbolo, que aparece rodeado de espinas en pintura dorada, es enfrentado a la imagen fotográfica del corazón humano con espinas reales, conectando de esta forma la idea del sacrificio del amor con la fuerza de la parte iluminada u oscura de los sentimientos.
PREMIOS
1987 Premio del Círculo de Críticos de Arte a la Mejor Exposición Nacional de
1987. Santiago, Chile.
1995 Mención Honrosa, V Concurso Nacional de Pintura El Color del Sur, Puerto Varas, Chile.
1995 Seleccionada para representar a Chile en la Bienal de Artes Plásticas de Johannesburgo, Sudáfrica.
Oscar Gacitúa
Oscar Gacitúa González, pintor. Nació en la ciudad de Santiago el 2 de Junio de 1953.
De niño estudió violoncelo en el Conservatorio de Música durante siete años, estudios que le permitieron dedicarse al afinamiento de pianos. Su pasión por la música le llevó a ilustrar los conciertos Branderburgueses de Bach a los de 12 años. Esta unión de la música y la plástica le preparó para los años posteriores en los cuales definió su vocación artística hacia el lenguaje plástico. Luego de ganarse la vida como luthier por un tiempo, realizó estudios de pintura y de arquitectura en la Universidad Católica de Valparaíso. Posteriormente ingresó a la Facultad de Arte de la Universidad de Chile donde fue alumno de Mario Toral con quien cursó dos años de dibujo y pintura.
Siempre abierto a la experimentación con nuevas técnicas y materiales de expresión, el artista desarrolla técnicas mixtas en la que utiliza dibujo, lápiz grafito, acuarela, óleo, acrílico y témpera y aerógrafo. Ha realizado serigrafías sobre acrílicos, collages, fotos, rompecabezas, mixografías y una técnica llamada foto-dibugráfico.
Tratando temas de la realidad cotidiana, que lleva a un lenguaje irónico, prioriza el dibujo de las formas. Su obra gráfica es figurativa y expresionista, exagerando o deformando contornos, volúmenes y perspectivas.
OBRAS EN LA COLECCIÓN DEL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTESElevador II, tríptico, acrílico y papel.OBRAS EN OTRAS COLECCIONES PÚBLICASMUSEO DE ARTE DE SAO PAULO ASSIS CHATEAUBRIAND, BRASIL.MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO, MONTEVIDEO, URUGUAY.MUSEO RALLI, SANTIAGO.MUSEO DE ARTE MODERNO DE CHILOÉ, CASTRO, CHILE.MUSEO DE ARTES VISUALES, SANTIAGO.Autorretrato 1991, dibujo (acuarela sobre papel), 67 x 100 cm.Autorretrato 2000, acuarela sobre papel, 50 x 40 cm.COLECCIÓN CHASE MANHATTAN BANK, NUEVA YORK, ESTADOS UNIDOS
De niño estudió violoncelo en el Conservatorio de Música durante siete años, estudios que le permitieron dedicarse al afinamiento de pianos. Su pasión por la música le llevó a ilustrar los conciertos Branderburgueses de Bach a los de 12 años. Esta unión de la música y la plástica le preparó para los años posteriores en los cuales definió su vocación artística hacia el lenguaje plástico. Luego de ganarse la vida como luthier por un tiempo, realizó estudios de pintura y de arquitectura en la Universidad Católica de Valparaíso. Posteriormente ingresó a la Facultad de Arte de la Universidad de Chile donde fue alumno de Mario Toral con quien cursó dos años de dibujo y pintura.
Siempre abierto a la experimentación con nuevas técnicas y materiales de expresión, el artista desarrolla técnicas mixtas en la que utiliza dibujo, lápiz grafito, acuarela, óleo, acrílico y témpera y aerógrafo. Ha realizado serigrafías sobre acrílicos, collages, fotos, rompecabezas, mixografías y una técnica llamada foto-dibugráfico.
Tratando temas de la realidad cotidiana, que lleva a un lenguaje irónico, prioriza el dibujo de las formas. Su obra gráfica es figurativa y expresionista, exagerando o deformando contornos, volúmenes y perspectivas.
OBRAS EN LA COLECCIÓN DEL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTESElevador II, tríptico, acrílico y papel.OBRAS EN OTRAS COLECCIONES PÚBLICASMUSEO DE ARTE DE SAO PAULO ASSIS CHATEAUBRIAND, BRASIL.MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO, MONTEVIDEO, URUGUAY.MUSEO RALLI, SANTIAGO.MUSEO DE ARTE MODERNO DE CHILOÉ, CASTRO, CHILE.MUSEO DE ARTES VISUALES, SANTIAGO.Autorretrato 1991, dibujo (acuarela sobre papel), 67 x 100 cm.Autorretrato 2000, acuarela sobre papel, 50 x 40 cm.COLECCIÓN CHASE MANHATTAN BANK, NUEVA YORK, ESTADOS UNIDOS
Pablo Dominguez
Su obra es calificada como neoexpresionista. De increíble vigor y de extraordinaria iluminación, ella ha tenido como temática principal el paisaje, la naturaleza con sus montañas, el cielo, las lomas, los ríos, donde son los colores vibrantes los protagonistas (Marina con pájaros, Pájaros conversando).
La utilización de colores puros y contrastados va en directa relación con la sensualidad de la materia y del color. Rojos y verdes, azules y naranjas van dando forma a grandes espacios donde el lenguaje figurativo, de composición rigurosa, da lugar a un juego armonioso de los distintos planos.
Recurre con frecuencia a la presencia de animales en sus telas, a los que relaciona con las tiras cómicas, con el humor, siempre presente en sus trabajos. Imágenes como el leopardo, los pájaros se ven a menudo en sus creaciones y son "parte de una caricatura propia o de otro individuo", según señala el artista. Puede ser un tucán de pico amarillo y plumaje negro, una pantera negra, , un leopardo sentado y de espaldas al espectador, pájaros carpinteros, etc, personajes que contrastan con el paisaje real y producen atracción por la carga humorística que reflejan.
Los paisajes (El viento y los árboles)y naturalezas muertas del artista son producto de una imaginería personal, en ellos retrata el mundo como a él le gustaría que fuera, con colores, formas y personajes que adquieren dimensiones extraordinarias y que contribuyen a la formación de un universo personal y único.
Domínguez en 1987 obtuvo un premio en el Concurso "Pintando Bellavista" otorgado por la Asociación de Amigos del Arte; en 1988 obtuvo premio al Mejor Plástico Underground y en 1998 el Primer Lugar en "El arte en el mundo del café", organizado por Nescafé y la Galería Isabel Aninat.
Sus obras se encuentran en importantes colecciones públicas: Banco Interamericano de Desarrollo, Washington, D.C., U.S.A; Stedelijk Museum, Amsterdam, Holanda; Asociación Chilena de Seguridad, Tocopilla, Chile; Sala Maniesh de Moscú; Museo de Arte Moderno de Osaka, Japón; Museo de Arte Moderno Hara, Tokyo.
La utilización de colores puros y contrastados va en directa relación con la sensualidad de la materia y del color. Rojos y verdes, azules y naranjas van dando forma a grandes espacios donde el lenguaje figurativo, de composición rigurosa, da lugar a un juego armonioso de los distintos planos.
Recurre con frecuencia a la presencia de animales en sus telas, a los que relaciona con las tiras cómicas, con el humor, siempre presente en sus trabajos. Imágenes como el leopardo, los pájaros se ven a menudo en sus creaciones y son "parte de una caricatura propia o de otro individuo", según señala el artista. Puede ser un tucán de pico amarillo y plumaje negro, una pantera negra, , un leopardo sentado y de espaldas al espectador, pájaros carpinteros, etc, personajes que contrastan con el paisaje real y producen atracción por la carga humorística que reflejan.
Los paisajes (El viento y los árboles)y naturalezas muertas del artista son producto de una imaginería personal, en ellos retrata el mundo como a él le gustaría que fuera, con colores, formas y personajes que adquieren dimensiones extraordinarias y que contribuyen a la formación de un universo personal y único.
Domínguez en 1987 obtuvo un premio en el Concurso "Pintando Bellavista" otorgado por la Asociación de Amigos del Arte; en 1988 obtuvo premio al Mejor Plástico Underground y en 1998 el Primer Lugar en "El arte en el mundo del café", organizado por Nescafé y la Galería Isabel Aninat.
Sus obras se encuentran en importantes colecciones públicas: Banco Interamericano de Desarrollo, Washington, D.C., U.S.A; Stedelijk Museum, Amsterdam, Holanda; Asociación Chilena de Seguridad, Tocopilla, Chile; Sala Maniesh de Moscú; Museo de Arte Moderno de Osaka, Japón; Museo de Arte Moderno Hara, Tokyo.
Paula De Solminihac
Paula De Solminihac es una artista visual nacida en Chile, licenciada en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile y Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile.
Su trabajo plástico tiene sus orígenes en la escultura, específicamente en la cerámica siendo su principal interés los procedimientos con esta materia en su necesario paso de crudo a cocido para hablar sobre el problema del lenguaje y de la representación.
En su forma, estas obras son por lo general construcciones seriadas y repetidas, de diversas materialidades que son utilizadas tanto por sus cualidades visuales de textura, peso y color, como por su condición connotativa, y donde usualmente esta presente la idea original y la copia o del acontecimiento y el archivo, como uno de los problemas del lenguaje como representación. Más específicamente, su interés radical en lo que sucede con el lenguaje como herramienta de conversación, como medio, como entre-medio entre ese acontecimiento y su archivo.
La manera de abordar este problema o el tema era siempre ligado a las rutinas cotidianas, como referente, como ejemplo; las labores de madre, de dueña de casa, de esposa, de profesional, de mujer y su entorno doméstico diario. El archivo en este caso podría ser el álbum familiar, la organización de las rutinas domesticas, la educación de los hijos, la transmisión de la herencia.
2004 Co-Curatoria “Absolut Vodka Artown”, Diciembre-Santiago, Chile: Intervenciones En El Espacio Público De Siete Artistas Nacionales 2004 Curatoria “Arte En Vivo”, Museo Nacional De Bellas Artes: Cuatro Estudiantes De La Pontificia Universidad Católica De Chile Trabajan Y Exponen En El Mnba.2003 Intervención Urbana: Escultura Y Obra Bidimensional En Técnica Mixta Para La Maternidad De Clínica Santa María.
Su trabajo plástico tiene sus orígenes en la escultura, específicamente en la cerámica siendo su principal interés los procedimientos con esta materia en su necesario paso de crudo a cocido para hablar sobre el problema del lenguaje y de la representación.
En su forma, estas obras son por lo general construcciones seriadas y repetidas, de diversas materialidades que son utilizadas tanto por sus cualidades visuales de textura, peso y color, como por su condición connotativa, y donde usualmente esta presente la idea original y la copia o del acontecimiento y el archivo, como uno de los problemas del lenguaje como representación. Más específicamente, su interés radical en lo que sucede con el lenguaje como herramienta de conversación, como medio, como entre-medio entre ese acontecimiento y su archivo.
La manera de abordar este problema o el tema era siempre ligado a las rutinas cotidianas, como referente, como ejemplo; las labores de madre, de dueña de casa, de esposa, de profesional, de mujer y su entorno doméstico diario. El archivo en este caso podría ser el álbum familiar, la organización de las rutinas domesticas, la educación de los hijos, la transmisión de la herencia.
2004 Co-Curatoria “Absolut Vodka Artown”, Diciembre-Santiago, Chile: Intervenciones En El Espacio Público De Siete Artistas Nacionales 2004 Curatoria “Arte En Vivo”, Museo Nacional De Bellas Artes: Cuatro Estudiantes De La Pontificia Universidad Católica De Chile Trabajan Y Exponen En El Mnba.2003 Intervención Urbana: Escultura Y Obra Bidimensional En Técnica Mixta Para La Maternidad De Clínica Santa María.
Francisco Bustamante
Influenciado por el reciente fallecimiento de su madre y como un homenaje a sus progenitores -ya que su padre murió hace algunos años-, el artista visual Francisco Bustamante nos presenta una interesante muestra que trata acerca de temas que nos invitan a reflexionar acerca de la vida, la familia y la muerte.
En ese sentido, toma un momento fundamental en la vida de sus padres reflejado en su matrimonio y trabaja 30 fotografías que interviene con óleo, acrílico, barniz, folias y láminas doradas, exacerbando ciertas situaciones presentes en ellas y obviando otras. Estas imágenes revelan además cierta influencia de la iconografía cristiana que el artista ha investigado.
También elabora una serie de autorretratos que de alguna manera, revelan su personal visión. A partir de una fotografía, realiza 18 variaciones de la misma imagen en el computador. Sobre cada una se hacen máscaras o tatuajes lineales con acrílico, otorgándole una aspecto variado, oscuro o luminoso sobre las mismas.
Esta exhibición reúne pintura, técnica mixta y fotografía que ha desarrollado desde fines del 2004 hasta la fecha.
Asimismo, Bustamante utiliza la técnica mixta, en la que combina pintura al óleo sobre tela con láminas doradas y plateadas. El proceso de combinar estas láminas con el fin de iluminar el cuadro y luego aplicar el óleo por capas para ir oscureciendo la tela, permite que la luz -el dorado- “busque espacios” para salir entre la trama formada por el óleo, saturando el espacio y dando origen a interesantes texturas, con gruesas líneas de ese material.
FRANCISCO BUSTAMANTE GUBBINSEDUCACIONCentral St. Martins College of Art and Design Londres, Inglaterra. Master in Fine Arts 2000-2001Universidad Finis Terrae, Facultad de Bellas ArtesSantiago, Chile. Licenciatura en Artes, Mención Pintura, Titulado con distinción máxima 1992-1996 Colegio The Newland School Santiago, Chile. Educación Básica y Media 1981-1991.
En ese sentido, toma un momento fundamental en la vida de sus padres reflejado en su matrimonio y trabaja 30 fotografías que interviene con óleo, acrílico, barniz, folias y láminas doradas, exacerbando ciertas situaciones presentes en ellas y obviando otras. Estas imágenes revelan además cierta influencia de la iconografía cristiana que el artista ha investigado.
También elabora una serie de autorretratos que de alguna manera, revelan su personal visión. A partir de una fotografía, realiza 18 variaciones de la misma imagen en el computador. Sobre cada una se hacen máscaras o tatuajes lineales con acrílico, otorgándole una aspecto variado, oscuro o luminoso sobre las mismas.
Esta exhibición reúne pintura, técnica mixta y fotografía que ha desarrollado desde fines del 2004 hasta la fecha.
Asimismo, Bustamante utiliza la técnica mixta, en la que combina pintura al óleo sobre tela con láminas doradas y plateadas. El proceso de combinar estas láminas con el fin de iluminar el cuadro y luego aplicar el óleo por capas para ir oscureciendo la tela, permite que la luz -el dorado- “busque espacios” para salir entre la trama formada por el óleo, saturando el espacio y dando origen a interesantes texturas, con gruesas líneas de ese material.
FRANCISCO BUSTAMANTE GUBBINSEDUCACIONCentral St. Martins College of Art and Design Londres, Inglaterra. Master in Fine Arts 2000-2001Universidad Finis Terrae, Facultad de Bellas ArtesSantiago, Chile. Licenciatura en Artes, Mención Pintura, Titulado con distinción máxima 1992-1996 Colegio The Newland School Santiago, Chile. Educación Básica y Media 1981-1991.
Bororo
Bororo pertenece a la llamada Escena de Avanzada o Generación de los 80 junto a Samy Benmayor, Omar Gatica, Matías Pinto D’Aguiar, Ismael Frigerio, entre otros. Ellos se han caracterizado por su intención de recuperar la pintura, el gesto y el carácter lúdico del arte, perdido en años anteriores.
Al igual que sus compañeros de Generación, a Maturana lo motiva una vehemente improvisación.
En muchas ocasiones, su pintura ha sido fruto del azar o de lo fortuito, adeMás de sentimientos y pasiones que han rodeado la vida del artista desde su infancia.
El trabajo de Bororo ha estado siempre muy ligado a su forma de vida, al dibujo infantil, al chorreo directo, al furor cromático, evocadores de su apasionada forma de enfrentar la vida y sus telas.
La pintura gestual, de brochazos intuitivos, de chorreados expresivos y mancha directa, sin restricciones, han caracterizado el trabajo del artista.
La potencia del color y el dibujo elemental, de una gráfica muy simple, casi infantil, conforman un universo que se mueve entre lo abstracto y lo figurativo. Allí la intensidad y la pasión del artista desemboca en una subjetividad que da forma a distintas dimensiones y perspectivas en la tela.
En los trabajos de Bororo se experimenta una verdadera explosión de lo cotidiano y habitual ("Califont", "Cazuela"). En ellos la naturaleza y el caos urbano son presentados con intensidad, las parejas de enamorados, los pájaros en el jardín, el moviliario de una casa, etc, aparecen sumergidos en arquitecturas imaginadas o inventadas por el artista, liberadas de cualquier condicionamiento.
Bororo ha recibido becas de la Sociedad de Amigos del Arte, de la Universidad de Chile y de la Galería Arte Actual.
AdeMás, ha obtenido reconocimientos y premios: Primer Premio Salón de Alumnos de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile (1975); Segundo Premio Concurso Beca Fundación Pacífico, Museo Nacional de Bellas Artes (1978); Primer Premio Concurso El Arbol en la Pintura Chilena, Museo Nacional de Bellas Artes (1982); Premio de Honor VII Bienal Internacional de Valparaíso (1985); Primer Premio Concurso El Paisaje Urbano con la obra "El centro de Santiago" (1988).
Al igual que sus compañeros de Generación, a Maturana lo motiva una vehemente improvisación.
En muchas ocasiones, su pintura ha sido fruto del azar o de lo fortuito, adeMás de sentimientos y pasiones que han rodeado la vida del artista desde su infancia.
El trabajo de Bororo ha estado siempre muy ligado a su forma de vida, al dibujo infantil, al chorreo directo, al furor cromático, evocadores de su apasionada forma de enfrentar la vida y sus telas.
La pintura gestual, de brochazos intuitivos, de chorreados expresivos y mancha directa, sin restricciones, han caracterizado el trabajo del artista.
La potencia del color y el dibujo elemental, de una gráfica muy simple, casi infantil, conforman un universo que se mueve entre lo abstracto y lo figurativo. Allí la intensidad y la pasión del artista desemboca en una subjetividad que da forma a distintas dimensiones y perspectivas en la tela.
En los trabajos de Bororo se experimenta una verdadera explosión de lo cotidiano y habitual ("Califont", "Cazuela"). En ellos la naturaleza y el caos urbano son presentados con intensidad, las parejas de enamorados, los pájaros en el jardín, el moviliario de una casa, etc, aparecen sumergidos en arquitecturas imaginadas o inventadas por el artista, liberadas de cualquier condicionamiento.
Bororo ha recibido becas de la Sociedad de Amigos del Arte, de la Universidad de Chile y de la Galería Arte Actual.
AdeMás, ha obtenido reconocimientos y premios: Primer Premio Salón de Alumnos de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile (1975); Segundo Premio Concurso Beca Fundación Pacífico, Museo Nacional de Bellas Artes (1978); Primer Premio Concurso El Arbol en la Pintura Chilena, Museo Nacional de Bellas Artes (1982); Premio de Honor VII Bienal Internacional de Valparaíso (1985); Primer Premio Concurso El Paisaje Urbano con la obra "El centro de Santiago" (1988).
Samy Benmayor
Benmayor junto a sus compañeros de Generación intentaron recuperar la pintura, el lenguaje y oficio propio de ésta, que se había perdido con la tendencia conceptual. Buscaron retornar al carácter gestual y subjetivo del quehacer de la plástica, planteando la permanencia de la pintura tradicional, liberada de prejuicios y discursos teóricos.
El interés por desarrollar un lenguaje plástico que muestre lo que siente, piensa y experimenta el artista ha sido un rasgo fundamental para Benmayor.
Ha desarrollado una pintura neoexpresionista, de gran fuerza expresiva que ha ido bastante acorde con la actitud abierta y provocativa del artista, con toques de humor pícaro y figuras caricaturescas.
A través del óleo o la acuarela Benmayor se inserta en el hombre y su universo y en temáticas de gran interés personal como la orfandad, la recuperación, la transmutación, la alquimia, el cambio y mutación humana, el cambio del hombre de bestia a persona.
La urbe, los edificios que poblaron su niñez es otro de los temas que aparece con frecuencia en las obras del artista.
El color en la obra del artista adquiere una enorme importancia pues es a través de él que el creador puede modificar, transformar atmósferas, llevar al espectador a distintas experiencias, de alegría o de dolor, según señala Benmayor.
El artista reconoce cambios y evoluciones en su quehacer pictórico. Es así como de la tremenda agresividad y crítica de sus primeros trabajos de juventud se ha encaminado hacia una actitud Más reconciliadora y de alabanza que tienen que ver con cambios internos, con una reconciliación con la vida y una recuperación de la fe en ella.
Esto ha desembocado en una mayor profundidad, en obras Más reflexivas, menos impetuosas, lo que no significa que haya dejado de lado la expresión espontánea y gestual, la subjetividad que impulsó sus primeros trabajos.
Su relación con el color se ha tornado Más elaborada, con mayor reflexión y Más restricción, sin embargo, su trabajo de experimentación no ha cesado.
Samy Benmayor ha recibido el apoyo de importantes instituciones que le han otorgado becas con las que ha podido incrementar su formación artística: Beca de la Corporación de Amigos del Arte que le permitió viajar por un año a Nueva York (1981); Beca de la Agencia de Información de los Estados Unidos y de la "Foundation for artist colonies" en dos oportunidades (1988)
Desde 1996 su obra "Alegría de Infancia" está presente en el proyecto Chile-Imagen, del Ministerio de Educación que pretende difundir el trabajo de artistas nacionales mostrando sus obras en oficinas públicas.
El interés por desarrollar un lenguaje plástico que muestre lo que siente, piensa y experimenta el artista ha sido un rasgo fundamental para Benmayor.
Ha desarrollado una pintura neoexpresionista, de gran fuerza expresiva que ha ido bastante acorde con la actitud abierta y provocativa del artista, con toques de humor pícaro y figuras caricaturescas.
A través del óleo o la acuarela Benmayor se inserta en el hombre y su universo y en temáticas de gran interés personal como la orfandad, la recuperación, la transmutación, la alquimia, el cambio y mutación humana, el cambio del hombre de bestia a persona.
La urbe, los edificios que poblaron su niñez es otro de los temas que aparece con frecuencia en las obras del artista.
El color en la obra del artista adquiere una enorme importancia pues es a través de él que el creador puede modificar, transformar atmósferas, llevar al espectador a distintas experiencias, de alegría o de dolor, según señala Benmayor.
El artista reconoce cambios y evoluciones en su quehacer pictórico. Es así como de la tremenda agresividad y crítica de sus primeros trabajos de juventud se ha encaminado hacia una actitud Más reconciliadora y de alabanza que tienen que ver con cambios internos, con una reconciliación con la vida y una recuperación de la fe en ella.
Esto ha desembocado en una mayor profundidad, en obras Más reflexivas, menos impetuosas, lo que no significa que haya dejado de lado la expresión espontánea y gestual, la subjetividad que impulsó sus primeros trabajos.
Su relación con el color se ha tornado Más elaborada, con mayor reflexión y Más restricción, sin embargo, su trabajo de experimentación no ha cesado.
Samy Benmayor ha recibido el apoyo de importantes instituciones que le han otorgado becas con las que ha podido incrementar su formación artística: Beca de la Corporación de Amigos del Arte que le permitió viajar por un año a Nueva York (1981); Beca de la Agencia de Información de los Estados Unidos y de la "Foundation for artist colonies" en dos oportunidades (1988)
Desde 1996 su obra "Alegría de Infancia" está presente en el proyecto Chile-Imagen, del Ministerio de Educación que pretende difundir el trabajo de artistas nacionales mostrando sus obras en oficinas públicas.
martes, 15 de enero de 2008
Carlos Altamirano
Los inicios de Altamirano en el arte están ligados a la pintura y el grabado, áreas plásticas que quiso ampliar por medio de la incorporación de técnicas mixtas, collages y fotografías, que registró en videos e incorporó en diversas instalaciones.
Las obras realizadas en la década del setenta y principios de los ochenta, eran de carácter netamente cuestionador, tanto de la sociedad como del arte mismo, y se adecuaban al sentir del grupo de artistas opuestos al régimen militar.
Pero ese mismo ambiente, muy tenso, le hizo retirarse del mundo artístico. Luego de varios años, Carlos Altamirano regresó con la muestra "Pintor de Domingo", Exposición llevada a cabo en el Museo Nacional de Bellas Artes, y que ya desde el título afirmaba su nueva posición independiente.
Allí presentó diez paneles de formalita, que reunían diversas imágenes y materiales. Eso sería antecedente de la obra Retratos, presentada en importantes bienales, y que consiste en una franja continua de imágenes computarizadas, superpuestas o relacionadas entre sí, según una especial lógica: vemos un bebé, una aglomeración urbana, el rostro de Allende, un mantel.
Con este trabajo, Altamirano retomó el tema de su interés: la búsqueda de la verdadera historia del arte chileno, desmitificada al relacionársela con imágenes cotidianas.
Carlos Altamirano recibió en 1978 el Premio Especial del Jurado, en el Primer Salón de Arte de la Universidad Católica.
En 1980, obtuvo el Gran Premio en el Segundo Salón de Gráfica de la Universidad Católica.
Ha realizado varias exposiciones individuales en Santiago,pasando algunas de sus obras a engrosar las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes y del Museo Chileno de Arte Moderno.
Participó en la IV Bienal de La Habana (1991), en la muestra del Pabellón Chileno en la Expo Sevilla (1992), en la XLVII Bienal de Venecia (1995) y en la I Bienal de Artes Visuales del Mercosur (1997).
Las obras realizadas en la década del setenta y principios de los ochenta, eran de carácter netamente cuestionador, tanto de la sociedad como del arte mismo, y se adecuaban al sentir del grupo de artistas opuestos al régimen militar.
Pero ese mismo ambiente, muy tenso, le hizo retirarse del mundo artístico. Luego de varios años, Carlos Altamirano regresó con la muestra "Pintor de Domingo", Exposición llevada a cabo en el Museo Nacional de Bellas Artes, y que ya desde el título afirmaba su nueva posición independiente.
Allí presentó diez paneles de formalita, que reunían diversas imágenes y materiales. Eso sería antecedente de la obra Retratos, presentada en importantes bienales, y que consiste en una franja continua de imágenes computarizadas, superpuestas o relacionadas entre sí, según una especial lógica: vemos un bebé, una aglomeración urbana, el rostro de Allende, un mantel.
Con este trabajo, Altamirano retomó el tema de su interés: la búsqueda de la verdadera historia del arte chileno, desmitificada al relacionársela con imágenes cotidianas.
Carlos Altamirano recibió en 1978 el Premio Especial del Jurado, en el Primer Salón de Arte de la Universidad Católica.
En 1980, obtuvo el Gran Premio en el Segundo Salón de Gráfica de la Universidad Católica.
Ha realizado varias exposiciones individuales en Santiago,pasando algunas de sus obras a engrosar las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes y del Museo Chileno de Arte Moderno.
Participó en la IV Bienal de La Habana (1991), en la muestra del Pabellón Chileno en la Expo Sevilla (1992), en la XLVII Bienal de Venecia (1995) y en la I Bienal de Artes Visuales del Mercosur (1997).
La obra realizada para DigitalGravura es "Retratos" , Serie de 20 grabados digitales unidos entre sí que recrean la versión de 135 mts x 1,5 mts realizada para la retróspectiva de Carlos Altamirano en el MNBA de Santiago de Chile. dicha serie de grabados fue exhibida en paralelo con la Retrospectiva en Galería Animal, Santiago de Chile.
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